Estreia esta semana nos cinemas em Nova Friburgo, Ebenezer e os Fantasmas do Natal. Dirigido por Ti West, o filme apresenta uma nova adaptação de um dos contos mais conhecidos da literatura natalina, criado por Charles Dickens. Desta vez, Johnny Depp assume o papel de Ebenezer Scrooge, um homem rico, avarento e profundamente amargurado, que não demonstra qualquer simpatia pelo Natal ou pelas pessoas ao seu redor. Na véspera da celebração, ele recebe a visita do fantasma de seu antigo sócio, Jacob Marley, que anuncia a chegada de três espíritos encarregados de confrontá-lo com seu passado, seu presente e as consequências de suas escolhas futuras. Ao longo dessa jornada sobrenatural, Scrooge é obrigado a rever sua trajetória e perceber que ainda existe uma oportunidade de mudar seu destino. A história já ganhou inúmeras versões para o cinema e a televisão, desde a clássica adaptação de 1951, com Alastair Sim, passando por Os Fantasmas Contra-Atacam, com Bill Murray, e O Conto de Natal dos Muppets, até a versão de Robert Zemeckis com Jim Carrey, lançada em 2009. Portanto, o desafio de uma nova produção não está exatamente em apresentar uma história desconhecida, mas em encontrar uma abordagem que justifique mais uma visita ao universo de Scrooge. Nesse aspecto, a escolha de Ti West chama a atenção. Conhecido por trabalhos de terror como X, Pearl e MaXXXine, o diretor procura imprimir uma atmosfera mais sombria à narrativa, explorando o lado sobrenatural da história e transformando os encontros com os espíritos em experiências por vezes inquietantes. Johnny Depp constrói um Scrooge excêntrico, rabugento e de temperamento difícil, aproveitando características que já fazem parte de sua trajetória como ator, mas sem transformar o personagem em uma caricatura exagerada. Sua interpretação funciona melhor nos momentos em que a amargura e o ressentimento do protagonista ficam em evidência, especialmente diante das lembranças que ele preferia manter esquecidas. Ian McKellen também merece destaque como Jacob Marley, enquanto Rupert Grint, Sam Claflin, Daisy Ridley e Andrea Riseborough completam o elenco principal. Visualmente, o filme encontra bons momentos ao explorar a Londres vitoriana, com ruas escuras, cenários carregados e uma ambientação que combina com a proposta mais gótica da direção. Os fantasmas recebem um tratamento que se distancia de algumas adaptações mais familiares e coloridas, trazendo uma presença mais ameaçadora para os encontros com Scrooge. Essa escolha ajuda a diferenciar a produção, embora nem sempre consiga transformar a atmosfera em algo realmente surpreendente. O principal problema está justamente na familiaridade da história. Mesmo com algumas alterações e novos elementos, o caminho percorrido pelo protagonista continua bastante conhecido, e boa parte das situações já foi explorada de diferentes maneiras em versões anteriores. A transformação de Scrooge, que deveria ser o centro emocional da narrativa, acaba dependendo muito mais da força do conto original do que de uma nova interpretação capaz de acrescentar algo realmente marcante. Em determinados momentos, a produção parece confiar demais no reconhecimento dos personagens e na própria força da história, deixando escapar oportunidades de aprofundar seus conflitos. A direção de Ti West oferece uma identidade visual interessante e uma leitura um pouco mais sombria do clássico, mas a combinação entre fantasia natalina e elementos de terror nem sempre encontra o equilíbrio ideal. Ainda assim, a presença de Johnny Depp e o cuidado com a ambientação ajudam a sustentar o interesse, principalmente para quem aprecia histórias com um toque sobrenatural. Com classificação indicativa de 12 anos, Ebenezer e os Fantasmas do Natal é uma adaptação competente, que encontra alguns bons caminhos para revisitar uma narrativa já bastante conhecida, mas não chega a superar suas versões mais marcantes. A proposta de Ti West acrescenta personalidade ao conjunto, embora a familiaridade da trama limite o impacto de algumas de suas escolhas. É uma opção interessante para quem gosta do clássico de Dickens e deseja conhecer uma interpretação mais sombria, mas dificilmente será lembrada como a versão definitiva dessa história.
Quem procura uma opção agitada entre as novidades em cartaz nas salas de cinema de Nova Friburgo encontra em Como Roubar um Banco uma tentativa de atualizar os clássicos filmes de assalto para a geração das redes sociais. Dirigido por David Leitch, conhecido por produções como Trem-Bala e O Dublê, o longa troca o foco tradicional das coreografias de luta pela adrenalina hiperconectada dos crimes performáticos. Na trama ambientada em Pittsburgh, um grupo liderado pelo carismático Ryan, apelidado de “The Wolf” e vivido por Nicholas Hoult, transforma invasões a instituições financeiras em transmissões virais no YouTube, misturando um discurso anticapitalista com a busca obsessiva por engajamento digital. Para sustentar essa proposta, Leitch aposta em uma estética frenética e pop. A montagem emula a linguagem da internet e dos videogames, utilizando cortes acelerados, elementos gráficos na tela e constantes quebras da quarta parede conduzidas por Hoult. O elenco mantém o interesse em alta mesmo quando o roteiro de Mark Bianculli peca pelo excesso de explicações. O grande destaque fica para a parceria entre o veterano agente do FBI John West, interpretado por John C. Reilly, que representa um método investigativo mais tradicional, e Reagan Gardner, papel de Zoë Kravitz, uma ex-professora e hacker que ajuda a traduzir os códigos do mundo virtual para a polícia. O maior conflito da produção, contudo, está na própria mensagem que tenta passar. Ao buscar uma sátira sobre o sistema financeiro e a mercantilização da atenção na internet, o filme acaba preso à mesma superficialidade que pretende criticar. Os longos discursos ideológicos da gangue soam ensaiados e quebram o ritmo das sequências de ação, transformando uma boa ideia de provocação social em um entretenimento barulhento e passageiro. No saldo final, o filme funciona muito melhor como um passatempo estilizado para o público do que como um comentário profundo sobre os tempos atuais. É um filme que reproduz com agilidade o barulho e a velocidade da era dos algoritmos, mas que, ao escolher o brilho fácil do espetáculo, deixa escapar a consistência que faria o golpe realmente valer o ingresso. A indicação é para maiores de 16 anos.
Poucos gêneros cinematográficos enfrentam um desafio tão grande quanto o drama de superação espiritual. Quando acerta a mão, emociona pela sinceridade das suas personagens. Quando erra, transforma dilemas humanos complexos em lições de moral previsíveis. É exatamente nessa corda bamba que caminha A Virada: Ignição da Alma, longa dirigido por Alessandro Barros que passa a integrar a programação das salas de cinema de Nova Friburgo. A narrativa acompanha uma jornada de reconstrução pessoal marcada por perdas, crises de propósito e pela busca por um novo sentido diante das adversidades. Ao contrário de produções que apostam em grandes reviravoltas externas, Alessandro Barros opta por um ritmo mais contemplativo, concentrando a câmera nas reações íntimas e nos conflitos emocionais de quem precisa recomeçar do zero. No campo dos acertos, o filme demonstra um cuidado genuíno com a atmosfera e com a entrega do elenco. Há uma honestidade evidente na proposta da direção em evitar o cinismo, apostando em uma fotografia acolhedora e em uma trilha sonora que sabe crescer nos momentos de catarse. Para o espectador que busca uma história edificante, com foco em resiliência e reconexão interior, a obra entrega exatamente o conforto emocional que promete, sustentada por atuações que buscam humanizar o sofrimento sem cair na caricatura fácil. Por outro lado, sob um olhar estritamente cinematográfico, A Virada: Ignição da Alma sofre com as limitações de um roteiro excessivamente didático. Em vez de permitir que as imagens e os silêncios conduzam a reflexão do público, o texto insiste em verbalizar cada aprendizado, recorrendo a diálogos expositivos que soam mais como discursos prontos do que como conversas reais. Além disso, a estrutura dramática segue uma cartilha bastante conhecida desse nicho, o que torna os pontos de virada facilmente antecipáveis muito antes de acontecerem na tela. No balanço final, a produção de Alessandro Barros divide bem o seu impacto conforme a expectativa de quem compra o ingresso. Como cinema de autor ou dramaturgia inovadora, o longa esbarra na previsibilidade e no peso da própria mensagem. Já como experiência de acolhimento e inspiração para o público identificado com histórias de fé e recomeço, cumpre sua missão com dignidade e coração aberto. A indicação é para maiores de 10 anos.
A última estreia desta semana nos cinemas em Nova Friburgo é: Boiúna – Terror no Amazonas. Dirigido por Mike P. Nelson, aposta em uma criatura lendária do folclore amazônico para construir uma história de suspense e sobrevivência. A trama acompanha um grupo de jovens médicos que parte para uma missão humanitária em comunidades isoladas da Amazônia. O que deveria ser uma viagem dedicada a ajudar outras pessoas, porém, esconde interesses particulares entre os integrantes da equipe. A chegada do grupo acaba despertando a atenção de uma criatura ancestral conhecida como Boiúna, uma espécie de serpente gigante que habita as águas e a floresta. A partir daí, a missão se transforma em uma luta pela sobrevivência, na qual os personagens precisam enfrentar não apenas um predador desconhecido, mas também os próprios conflitos e segredos. A produção utiliza uma lenda bastante conhecida do imaginário amazônico, associada à figura da cobra-grande, para criar uma aventura que mistura terror, ação e elementos de suspense. A ambientação na floresta é um dos principais recursos do filme, explorando a sensação de isolamento e a dificuldade de escapar de um território dominado por uma ameaça que pode surgir tanto na água quanto em terra firme. O roteiro de Alan B. McElroy também procura estabelecer conflitos entre os próprios personagens, trazendo questões relacionadas à exploração da natureza e aos interesses externos sobre a região. No elenco, Kiana Madeira, Jessica Rothe e Logan Marshall-Green conduzem a narrativa, interpretando personagens que precisam lidar com situações cada vez mais perigosas. As atuações cumprem seu papel dentro da proposta, embora os personagens não recebam um desenvolvimento especialmente profundo. Algumas relações e conflitos são apresentados de maneira funcional, servindo principalmente para movimentar a história e preparar os momentos de tensão. Um dos aspectos mais curiosos da produção é a maneira como o diretor administra a presença da criatura. Em vez de revelar o monstro logo nos primeiros momentos, Nelson prolonga a expectativa e utiliza boa parte da narrativa para construir o suspense em torno da ameaça. A estratégia ajuda a manter a curiosidade, mas também pode testar a paciência de quem procura um filme de terror com mais ação e confrontos diretos. A Boiúna demora bastante para aparecer de forma efetiva, e quando finalmente ocupa o centro da ação, os efeitos visuais nem sempre conseguem transmitir a imponência que a criatura exige. É justamente nesse ponto que as limitações da produção ficam mais evidentes. O orçamento reduzido interfere na qualidade dos efeitos digitais, especialmente nas cenas que envolvem a serpente gigante. Algumas sequências também recorrem à escuridão para esconder as limitações visuais, diminuindo o impacto de momentos que poderiam ser mais assustadores. Por outro lado, a direção encontra soluções interessantes para criar tensão sem depender exclusivamente da aparição do monstro. A fotografia mais sombria, os ambientes naturais e a sensação constante de perigo ajudam a sustentar o interesse durante boa parte da projeção. Com duração de aproximadamente 1h44, o filme poderia ser um pouco mais enxuto, principalmente em determinados trechos que prolongam conflitos sem acrescentar muito à narrativa. Ainda assim, Mike P. Nelson demonstra familiaridade com o cinema de gênero e consegue entregar uma aventura que entende suas próprias limitações. O resultado está longe de ser uma produção tecnicamente impressionante, mas apresenta momentos de violência e suspense que funcionam dentro da proposta. Essa é uma opção para quem gosta de filmes de criaturas gigantes e histórias de sobrevivência. A utilização de uma lenda amazônica oferece uma identidade interessante à produção, embora o potencial da história seja maior do que aquilo que os efeitos especiais conseguem entregar. Vale o ingresso e a indicação é para maiores de 18 anos.
A dica para assistir em casa desta semana vai para Rafa, série documental da Netflix que apresenta um olhar próximo sobre a trajetória de Rafael Nadal, um dos maiores nomes da história do tênis. Dividida em quatro episódios, a produção acompanha o espanhol durante a temporada de 2024, marcada por tentativas de recuperação física, lesões e a difícil decisão de encerrar uma carreira que o colocou entre os maiores atletas de todos os tempos. Com imagens de bastidores, registros pessoais e depoimentos de pessoas próximas, a série revisita momentos importantes de sua história, incluindo as grandes conquistas em Roland Garros e as rivalidades com Roger Federer e Novak Djokovic. Dirigida por Zach Heinzerling, a produção vai além dos títulos e das vitórias para mostrar o desgaste físico e emocional por trás de uma trajetória construída com disciplina e resistência. Um dos pontos mais interessantes está justamente na exposição de um lado menos conhecido de Nadal, revelando suas inseguranças, dores e a dificuldade de aceitar os limites do próprio corpo. Mais do que uma retrospectiva esportiva, Rafa é um retrato sobre determinação, sacrifício e o momento em que até os maiores campeões precisam reconhecer que chegou a hora de parar. Disponível na Netflix.
